lunes, 23 de enero de 2017

"El Arcolibris De Colores": Obra Imprescindible De Pilar Alcántara González







Comenzaré este artículo afirmando, sin cortarme lo más mínimo, que este libro de la autora cacereña Pilar Alcántara González es, por un lado, de un gran valor didáctico y, por otro, de esas obras que se hacen imprescindibles en los tiempos que corren. Pilar es profesora de Educación Infantil, Musical y Primaria. Escribe y administra varios blogs de carácter literario o de temática infantil además de colaborar en diferentes revistas literarias. Ésta no es su primera obra de índole infantil, tiene algunas anteriores como “La Escaletra Fantástica”, entre otras. En la actualidad está muy vinculada a un proyecto multidisciplinar que trata el asunto de la diabetes tipo uno y su impacto emocional en el paciente de donde surge su libro “El Día Que Todo Cambió”.




Como podéis comprobar, Pilar es una persona muy activa cuyo centro de operaciones es la Educación Infantil. Hasta hace bien poco nos conocíamos tan sólo de las sesiones de micro abierto que se llevan celebrando en algunos locales de la capital cacereña. Mi idea, una vez leído este “Arcolibris De Colores”, siempre fue hacer una entrada hablando del mismo en este humilde blog. He de reconocer que juego con cierta ventaja pues, una vez supe que iba a ser una de nuestras autoras invitadas a la Tertulia La Croqueta, dejé correr el tiempo hasta poder saber algo más de ella. La tarde de su cita con nuestra tertulia llegó y, he de asumir, que la espera ha merecido mucho la pena. Una vez que la conoces te das cuenta de que, además de ser una gran escritora, es una persona que vive con pasión su vocación de maestra. La misma vocación que siempre he defendido como necesaria para llevar a cabo esa labor educativa que algun@s de sus compañer@s se dejan en el tintero ya que su objetivo es el simple reembolso mensual sin preocuparse demasiado por los resultados, no precisamente académicos, de sus alumn@s. Escuchándola te das cuenta que todo lo que os vais a encontrar en este “Arcolibris” está hecho con mucho cariño y pasión, la misma con la que te realta sus experiencias vitales tanto en su época escolar como de docente.




Como buen amante de los cómics, antes de meterme de lleno en el contenido de la obra, me gustaría resaltar las ilustraciones de Triopía. Su trazo y colorido consiguen acrecentar más el valor, ya de por sí alto, de la misma. A l@s niñ@s siempre les gusta ver los dibujos de los libros, eso que de pequeño llamábamos “santos”, y, en este caso, la labor ilustrativa estoy más que seguro que despierta aún más la curiosidad literaria de l@s mism@s. Que se puedan encontrar de frente con el Patito Gritón, Florinda y Florinato, La Princesa Marianela, este poema es uno de los que más me ha gustado, Las Mamás De Carmela o La Ovejita Bombón es siempre un aliciente para despertar el interés de sus curiosas mentes y, de esta forma, comprender un poco mejor lo que estos versos encierran.



Podríamos definir esta obra de mil maneras y no nos quedaríamos cortos. Para mí el adjetivo más adecuado sería valiente. Valiente por tratar temas tan peliagudos para los mayores como la prevención de la violencia de género, la igualdad en nuestras diferencias, los distintos tipos de familias, el respeto a la identidad personal o la cooperación familiar. Que estas cuestiones lleguen a nuestr@s pequeñ@s de la manera en que aparecen en este “Arcolibris De Colores” es de suma importancia. Cuando un grupo de niñ@s, como ocurrió el día de la presentación de la obra, se pone delante de una sala llena hasta el techo para recitar poemas de cualquiera de las temáticas señaladas, con esa espontaneidad que sólo la infancia posee y que la vida se encarga de borrar a base de cicatrices, es algo que te pone todas tus emociones a mil. Si cualquiera de estos temas hubiera sido tratados, al menos un poquito, en nuestras escuelas, si se trataran en las actuales de manera efectiva y cercana, otro gallo nos iría cantando ante situaciones cuyo sustrato es el desprecio al otr@ por su color de piel, tendencia sexual, procedencia o todo a la vez.





En estos días en que el futuro lo pintan pelirrojo a un lado del océano y calvo al otro no deberíamos olvidar todo lo que hemos conseguido a base de sufrimiento y lucha. Debemos hacer comprender a nuestras generaciones posteriores que esas ideas que están llegando al poder no son las adecuadas porque nuestro mundo, y las personas que lo conformamos, es de mil colores, formas de pensamiento y estatura. Tenemos que conseguir que esos roles caducos, que intentan que sigan en alza, pasen al subsuelo social enterrándolos desde nuestras primeras edades a base de poemas y obras como la de Pilar. Este “Arcolibris De Colores” es algo necesario tanto para padres, alumn@s y profesores. Debería ser libro de texto obligatorio en cualquier centro de enseñanza, ahora con más motivos que nunca. La razón principal de esta afirmación no es otra que la necesidad de que comprendamos que los colores por sí solos no dicen absolutamente nada. El hecho de que algunos solo quieran tener un mundo monocromático, o de tonos alicaídos, no quiere decir que el arcoíris no exista, es más, sus colores siempre estarán ahí para los que queramos contemplar su belleza natural y educativa.



Cerraré estos párrafos destacando la labor de los componentes de la editorial “Letras Cascabeleras”, amig@s y compañer@s de andanzas literarias, por su encomendable labor. Es todo un placer que consigan poner en nuestras manos libros tan indispensables como este “Arcolibris De Colores”. ¡Enhorabuena a Pilar y a sus editores cascabeleros!




jueves, 12 de enero de 2017

Mary M. Talbot - Bryan Talbot: "La Virgen Roja"










Esta es la segunda obra que leo sobre el tema de La Comuna parisina. La primera fue “El Grito del Pueblo”, dibujada por Tardi basándose en la novela homónima de Jean Vautrin. Como bien dice este último en el cómic compartido con su paisano, muchos han sido los factores, humanos y de claro carácter político, encargados de que este episodio de la historia de Francia haya caído en el ostracismo. Son obras como éstas las que se están encargando, de una manera u otra, de sacarlo a la luz.




Tanto Mary M. Talbot como su marido Bryan Talbot son dos autores que conocía con anterioridad. Mary es una reconocida académica británica cuya primera novela gráfica, “La Niña De Sus Ojos”, consiguió el Premio Costa 2013 a la mejor biografía. Su anterior cómic, en colaboración también con su conyugue, “Sufragista”, es uno de los que tengo pendiente de leer, algo que no creo que tarde mucho en hacer. En lo referente a Bryan, sólo con decir que lleva más de treinta años en este mundo de las viñetas debería ser suficiente. Ha sido dibujante de personajes tana clamados como Batman, El Juez Dredd o Sandman. Mi primer contacto con este ilustrador fue a través de su obra “El Cuento De Una Rata Mala” de la cual podéis leer un artículo en este blog.




“La Virgen Roja”, además de ser el título de este cómic, es el sobrenombre con el que se conoce, normalmente, ya que sus, digamos, enemigos la llamaban de una manera bien distinta, a Louise Michel. Esta maestra, poetisa y escritora francesa fue una de las principales representantes del alzamiento parisino de 1871 que llevaría a La Comuna a hacerse con el control de la capital gala. Mary y Brian Talbot parten del encuentro entre la escritora y conferenciante feminista americana Charlotte Perkins Gilman y la hija de una de las compañeras de barricadas y andanzas la propia Louise para hacer un repaso a la biografía de esta última. Ambas se encuentran el mismo día que el féretro de la dirigente comunera atraviesa las calles de París. Durante el trascurso de esa jornada intercambiaran conocimientos literarios y políticos a los que se sumará, durante la cena, las impresiones y recuerdos de la madre de la chica. Partiendo de los días previos al levantamiento comunero, podemos adentrarnos en cómo Michel vivió dicha lucha de manera activa al frente de un grupo de mujeres. Encontraréis ciertas referencias a su procedencia y el por qué una joven de aquella época consigue ser docente, algo que nunca llegaría a ejercer en la enseñanza pública por negarse a hacer el juramento a Napoleón III. Como veis, a temprana edad ya despuntaba maneras. Después de pasar por unas cuantas cárceles y de un sonadísimo juicio, a cuya intervención el propio Víctro Hugo, amigo de Louise, dedicaría su poema “Viro Major”, será deportada durante siete años a Nueva Caledonia. Allí tendrá sus más y sus menos con otr@s deportad@s por su afinidad con los kanakos, una de las tribus nativas de esta isla, ya que, para ella, además de admirase mutuamente, su lucha era la misma que ell@s habían llevado a cabo en París. En el continente contra los versalleses y prusianos y aquí contra la ambición del gobernador de la isla, respaldado por el gobierno galo. Pasa por Australia antes de su vuelta a Francia donde es recibida como una heroína. Después de su regreso, dejará las barricadas para dedicarse a dar conferencias sobre los derechos de las mujeres y l@s obrer@s, algo que la llevarán, de nuevo, a visitar algún que otro presidio. Morirá en Marsella de neumonía y será enterrada con los honores que, realmente, merecía.





No quiero extenderme mucho más en la biografía de esta espléndida mujer porque ese es el argumento de este cómic y es lo que vosotr@s tenéis que descubrir. Lo que sí haré será pararme a reflexionar acerca de algunos de los pensamientos que defendía Louise Michel. En un tiempo en que la mujer vivía, aún lo sigue haciendo en muchas partes del mundo, bajo el yugo del matrimonio, algo bien definido en la frase: “Los hombres son como monarcas en su casa”, ella alentó a muchas de éstas a rebelarse contra esta situación. Así, la lucha de las mujeres no sólo fue por un cambio político o social, también tenían que combatir contra su propia situación personal. Estas esposas, compañeras, hijas y madres fueron una de las partes más activas de la lucha de La Comuna. Por primera vez en mucho tiempo, hombres y mujeres se equiparaban en las barricadas, los comités y los ayuntamientos de distrito. A pesar de que todo acabase como acabó, Michel siguió defendiendo sus ideas incluso con la esperanza de que surgieran efecto allá donde la deportaron. Lo curioso es que en Nueva Caledonia se vio mucho más identificada con los habitantes originales de la isla que con much@s de sus compatriotas. La idea de que la lucha por la liberación del yugo de patronos, emperadores o ejércitos era válida sólo para los de raza blanca estaba mucho más extendida de lo que ella podía imaginar. Tanto los kanakos como los argelinos, también deportados, que llegaron a esta parte de Oceanía eran personas de segunda para aquell@s que se habían dejado la piel en alguna que otra barricada entre Marzo y Mayo de 1871.  Esto era algo inconcebible para Michel que llegó a publicar un libro sobre las costumbres de estos nativos y fue despedida por ell@s como una verdadera aliada. Louise, como veis, era una mente adelantada a su tiempo, con ideas que eran muy mal vistas por algun@s de sus compañeros de lucha política.





Cuando cae en mis manos una obra como ésta siempre acabo pensando qué pasaría si estos acontecimientos ocurrieran en nuestra época. Vemos a todas estas mujeres y hombres como verdaderos héroes de la lucha obrera mientras asistimos a la expoliación de muchos de los derechos por los que ell@s murieron. Nos parecen grandiosas esas batallas en las barricadas mientras nos machacan con términos como antisistema, no conozco ningún sistema que defienda abiertamente a los pobres, violencia callejera o guerrilla urbana. Qué bien se han ido encargando de amansarnos mentalmente con falacias como que todas las guerras ocurren lejos de tu salón, que ahora donde únicamente hay que luchar es en las redes sociales o que te encontrarás con una sanción económica o carcelaria por el simple hecho de hacer un chiste o una representación teatral. Las grandes élites siguen gobernando con el beneplácito de sus borreguiles votantes. Ya es poca la diferencia que puedes encontrar entre lo que antes se diferenciaba como izquierda o derecha pues ambas corrientes son engullidas por el neoliberalismo galopante que ha llevado a la cima de la presidencia a ciertos personajes pelirrojos, calvos, bigotudos o barbudos que se inventan elecciones, golpes de Estado o cualquier otra artimaña para imponer sus ideas como antiguos emperadores, zares o reyes. Ante esto, la solidaridad obrera ha sido fagocitada por los gusanos de unos sindicatos incompetentes, y acojonados ante la pérdida de sus subvenciones estatales, que piensan que hay que luchar contra los eres de las grandes multinacionales mientras ellos aplican estos mismos a sus filas apoyándose en los “beneficios”, como verdaderos empresarios, que las continuas reformas laborales, contra las que supuestamente luchan, les ofrece.





Siento una enorme tristeza al saber de las vidas de personas como Louise Michel, tristeza y vergüenza. Ella, que creía que el progreso salvaría a la humanidad, sólo sentiría rechazo ante este conjunto de obrer@s cuya victoria es llevarse a la boca alguna que otra cucharada de sopa consiguiendo, de esta manera, mantener las mismas bocas calladas.  Ya se sabe, mientras se come no se habla, lo de protestar ni lo mencionamos. No, en estos casos, la Historia no nos ha dado la razón. Es más, movimientos revolucionarios como La Comuna, la Insumisión o las colectividades agrícolas, entre otros, son ocultados o silenciados. Han pasado a ese plano que nunca será abierto en las escuelas o institutos y al que sólo tendrán acceso aquell@s que estudien ciertas carreras universitarias. Se suman, como está demostrado, a ese conjunto de acontecimientos que se estudian con el mismo valor que el origen de la Democracia o la batalla de Little Bighorn. Este es el verdadero final de muchas de las revoluciones, quedarse como pasajes de culto ante la adoración del consumismo impersonal y la sobreinformación en la que navegamos. A pesar de todo, siempre podemos pensar que quedará un hilo de esperanza que nos haga gritar durante siglos: “Vive La Comune!”.



jueves, 5 de enero de 2017

Lo Dicho... Cinderella









Cinderella es uno de esos grupos que pudieron haber llegado a lo más alto, pero se quedaron siempre en un segundo plano. A mí me han gustado mucho desde que los conocí con su primer disco pues esa mezcla de Hard Rock con toques Country y Blues era algo novedoso en su tiempo. Nunca les llegué a ver en directo. Es una espinita que difícilmente me podré sacar ya. ¿Qué es lo que les pudo pasar para, a pesar de estar bajo la protección de Bon Jovi, no conseguir sus metas? Como veréis, tampoco concedían demasiadas entrevistas por lo que este artículo, al igual que su carrera, no será igual de extenso que otros de esta misma sección. De hecho, es una pena que no haya encontrado nada acerca de su maravilloso segundo disco. La Cenicienta tuvo sus zapatos puesto durante la fiesta, perdió uno y nunca más se volvió a calzar con él. Pasemos a leer qué nos cuentan al respecto. Una anotación, como la mayoría de las declaraciones son del cantante-guitarra Tom Keifer no repetiré su nombre continuamente, nombraré a otro miembro de la banda cuando sean suyas dichas declaraciones.

VARIOS


Inicios:

Cuando me encontraba en Filadelfia, en la escena musical del sur de Jersey, había un interesante y nutrido circuito de clubes donde estaban los grupos que eran, casi todos, de versiones. No podías tocar nada original si no querías que no pasaran de ti. Aprovechaba para meter algo mío en el repertorio, entre Led Zeppelin y Bad Company. Nadie quería escuchar material original, así que todos esos grupos en los que estuve eran bandas de versiones. Era consciente de que tenía que salir de esa escena de clubes porque tenía a todo el mundo a mi alrededor atrapado en ella. Teníamos que tocar todas las noches, lo cual era divertido, pero, para mí, se estaba convirtiendo en un callejón sin salida.

Sus primeras composiciones propias:

Trabajábamos muy duro durante todo el día. Ensayábamos todas las noches y teníamos una pequeña habitación donde hacíamos los ensayos y donde me podía centrar en la composición de las canciones. Grabábamos maquetas los fines de semana con el objetivo de tener un material que fuese original y con la suficiente calidad como para mandarlo a sitios importantes. Cuando tuvimos esos temas grabados, comenzamos a tocar puertas.

La época de las demos:

Teníamos unas sesenta canciones y, de ellas, elegiríamos las que, finalmente, terminaron en “Night Sons”. En esos pocos años nos centramos en tocar en directo. Había un club llamado “The Galaxy” que ofrecía alternativas a grupos con temas propios. De esta forma, comenzamos a tocar allí sin cobrar nada, prácticamente. De pronto, tuvieron que pagarnos si querían que siguiéramos tocando con ellos ya que gustábamos mucho a la gente que nos veía. Tocábamos en ese sitio unas dos o tres veces al mes.

Cambio de suerte con la apertura del club “Empire Rock”:

Abrieron otro club en el noroeste de Filadelfia, se llamaba “Empire Rock”. Allí se ofrecían conciertos de grupos con temas originales los domingos por la noche. En dos años estuvimos centrados en componer y grabar nuestras canciones ya que no había sitios para tocar. En este club fue donde nos vio Jon Bon Jovi. Él se encontraba en la ciudad grabando el segundo disco de la banda. Yo sabía quién era porque había escuchado “Runaway” que había sido todo un éxito además de haber visto el vídeo en la MTV. Se dejó caer por el club una noche tras una sesión de grabación del disco citado y nosotros tocábamos allí esa misma noche, precisamente. Él, simplemente, había ido con la intención de tomarse una copa tras una dura sesión de grabación. Se acercó a los vestuarios tras nuestro concierto y allí nos conocimos. Fue estupendo conocerle porque aún no habían vendido la millonada de discos que vendieron con “Slippery When Wet”, pero, para mí, eran unas estrellas del Rock. Nos dijo que le había encantado el concierto, charlamos un poco y se largó.




Cómo consiguieron su primer contrato discográfico:

Mandamos nuestra demo a Gene Simmons y le gustó, pero no llegó a ningún acuerdo con la compañía. Incluso, los ejecutivos de la misma le pidieron poco menos que les dejara en paz ya que estaban, según ellos, muy ocupados. Más tarde Jon Bon Jovi nos conoció en el Empire Club de Filadelfia y presentó, por segunda vez, a la banda a la compañía. Nos ficharon con reparos y por quedar bien con Jon. Lo que los ejecutivos no sabían es que llegaríamos a ser disco de platino en cuatro meses. Ahora, cuando nos ven por los pasillos de sus oficinas, nos piden disculpas y, de paso, nos pelotean. Es increíble.

El nombre de la banda:

Necesitábamos un nombre diferente a los demás y, además, algo que fuera difícil de olvidar entre la gente. Elegimos Cinderella porque nos pareció el idóneo.

Influencias:

Hay muchos grandes discos de los setenta que me han influido. Dos de mis artistas favoritos son, por supuesto, los Stones y Led Zeppelin. Recuerdo que escuchaba mucho “Physical Graffiti” y que amaba “It´s Only R&R”. Otros artistas que me influyeron fueron Rod Stewart, con discos como “Footloose And Fancy Free”, los Eagles con “Hotel California”, Fleetwood Mac con “Rumours”, Rush con “2112”, Aerosmith, Heart, Deep Purple, y muchos más. Como cantante, reconozco influencias de Rod Stewart, Janis Joplin, Steven Tyler, pero también de gente como Steve Marriott o James Brown. Eran los artistas a los que me gustaba emular, al igual que a Robert Plant, con ese registro tan agudo.

Jeff LaBar nos habla también de sus influencias como guitarrista:

Siempre me sentí atraído por tipos como Keith Richards, Jimmy Page, Joe Perry o Chuck Berry, entre otros. Aunque, si he de quedarme con alguno en concreto me quedo con Jimmy page. A diferencia de las de Tom, que proceden de bandas como Nazareth o Humble Pie, yo estoy más influenciado por Led Zeppelin, Deep Purple, Alice Cooper, así como por la escena del Rock clásico de los setenta, gente como Yes, Genesis, Pink Floyd, Jethro Tull, Uriah Heep. También Brian May ha sido una gran inspiración para mí. De cosas más actuales me gustan Alice In Chains, Stone Temple Pilots, The Cure, Rage Against The Machine o Nine Inch Nalis.

Aprendizaje como escritor de letras:

Creo que Mick Jagger es uno de los mejores letristas de todos los tiempos, uno de mis favoritos. No puedes equivocarte con esas canciones, fueron una fuente de inspiración para mí. Las escuchaba cuando iba al instituto y empezaba a tocar la guitarra. Había una gran cantidad de artistas y bandas con un talento enorme. Los Eagles, por ejemplo, si hablamos de letras de canciones, fueron otra de mis influencias. Me encantaban y me siguen encantando. Desde las letras de canciones como “Take It easy” o “Life In The Fast Line” hasta más rockeras como “Victim Of Love”, todo lo que hacían me gustaba. Es lo mismo que me pasa con los Stones y Led Zeppelin. Me gustaba la versatilidad de éstos con temas que tenían aroma celta junto a cosas como “Whotta Lotta Love”. Crecí con todo ello y me marcó profundamente.

Utilización de dos guitarras:

Siempre me gustó la música en la que aparecen dos guitarras rítmicas tocando una contra la otra, armonizadas. Me encantaba el material de los Rolling Stones, pero también había otras bandas que me gustaban y sólo tenían una guitarra, como es el caso de Led Zeppelin, pero, como es bien sabido, Jimmy Page se hizo famoso por hacer un montón de overdubs con la guitarra por lo que, en la práctica, era como si hubiese dos de estos instrumentos sonando. Siempre me gustó ese sonido. Aerosmith es otra de las bandas que realmente me gustan, así como Humble Pie.

Evolución en su carrera:

El tiempo pasa rápido. Este es otro mundo en comparación con nuestras giras por clubs. Procuro olvidar de donde hemos salido. Eso te ayuda a mantener la perspectiva.

Grupos anteriores a Cinderella:

Eric, el bajista, y yo nos conocemos desde hace tiempo. Tocábamos en algunos grupos del barrio. Nuestro batería, Fred, tocó con Keel, colaboró con Ozzy en alguna jam y tocó con algunos grupos de Londres. A Jett, el otro guitarra, lo encontramos en unas audiciones que hizo la banda en busca, precisamente, de un segundo guitarrista. Nos lo presentó nuestra compañía discográfica.






Recuerdos de sus primeros días:

Sólo tengo buenos recuerdos. No me arrepiento de nada de lo que hice. Fue una de las épocas más importantes de mi vida. Me metí en ello en cuerpo y alma.

Las listas de éxito:

Para un grupo de baile sí son importantes, pero para una banda de R&R no.

Ante la posibilidad de grabar con un mito del Rock a quién elegiría:

A Muddy Waters. Me encantaría hacer un álbum de Blues con él. Sus discos son los que más escucho.

Problemas con la censura del PMRC:

Tuvimos protestas cuando el primer disco. Desde entonces nos han dejado en paz. De todos modos, pasamos ampliamente de ellos.

Sobre las afirmaciones de su sonido basado en AC/DC, Def Leppard y Aerosmith:

Nosotros nos sentimos más influenciados por grupos como Led Zeppelin o Humble Pie que por bandas de nuestra época. Somos como un Blues-Rock bastante duro y particular.

Reflexión acerca de si pertenecen o no a la escena Hair Metal:

Realmente no sé si somos parte de ese estilo musical. creo que todo el mundo actúa y se expresa considerando que toda la música que se hizo durante los ochenta por parte de bandas de Rock Duro era la misma. Seguramente se nos etiquetó basándose en nuestra imagen, que era la que se llevaba en dicha década. Cada una de las décadas en el Rock ha tenido una imagen que se ha basado en la de Elvis en los cincuenta, la de los hippies en los sesenta, y, finalmente, en los setenta y ochenta se crearon sus imágenes propias y características. Si nos escuchas y nos comparas con Poison, Guns ´N´ Roses o Great White, verás que cada una de esas bandas tienen su propio estilo. Poison no suenan como los Guns, ni nosotros sonamos como Tesla. Cada uno es único y todos hacíamos excelente música. Def Lepperad y Bon Jovi también tenían su propio estilo. Los cantantes eran muy diferentes en sus tonos y rangos vocales. Así que creo que lo que se bautizó como Hair Metal era, en realidad, una mezcla única de sonidos muy particulares y definidos. Lo que teníamos en común era la imagen, de la cual es muy responsable la MTV y todo su engranaje con respecto a todo lo que supuso su aparición en la faceta visual de los ochenta. En nuestro caso, tomamos la imagen de nuestros ídolos: Mick Jagger, Janis Joplin y Steven Tyler. Ellos fueron los que nos influenciaron no sólo a nivel musical sino, también, visual. Lo que intentamos fue tomar todo eso y llevarlo a nuestro nivel.

Comparaciones con las bandas de la Costa Oeste:

No éramos, en realidad, parte de esa escena ya que Cinderella proviene de Filadelfia. No teníamos nada que ver con los grupos que tocaban en el Whiskey, el Strip y todos esos sitios. Es cierto que tocábamos en esa zona, pero muchos años más tarde. Hay mucha gente que se trasladó a esa zona buscando ser incluidos en esa escena musical en concreto, o por vete tú a saber qué razones, pero nosotros siempre nos quedamos en Filadelfia. Todo lo que hicimos, lo hicimos allí, cruzamos los dedos y esperamos a que sucediera lo mejor para nosotros. Cuando persigues un contrato con una discográfica de lo que se trata es de tener unas condiciones que caigan en las manos adecuadas.  La mayoría de las compañías discográficas están en Nueva York o Los Ángeles, pero no tienes que estar necesariamente en esos sitios para ser descubierto. Somos la prueba palpable de ello. Puede pasar en cualquier lugar. Al fin y al cabo, todo se reduce a tus canciones y a tener un sonido único. Nosotros nos dedicamos más a buscar abogados y representantes que tuvieran contactos, permaneciendo en nuestra ciudad natal.





Los movimientos musicales:

No me gusta demasiado hablar sobre movimientos musicales porque no creo en eso. Creo en las bandas, con independencia de que las sitúes musicalmente aquí o allí.

Sobre su enfermedad de garganta:

Al acabar el tour de nuestro tercer álbum había forzado mi garganta demasiado y, literalmente, me quedé sin voz. Tuvieron que operarme y tuve que seguir una terapia muy estricta. Me recuperé, pero durante la parte final de la grabación del siguiente disco tuve una recaída, una afección en las cuerdas vocales, que fue lo que me impidió volver al estudio durante una temporada.

NIGHT SONS


Éxito de ventas:

Nosotros fuimos los primeros sorprendidos al ver las listas de ventas. Estamos contentos.

Set en directo teloneando, entre otros, a Bon Jovi o David Lee Roth:

Tocamos todas las canciones del álbum variando algunas introducciones y arreglos. Incluso, solemos improvisar un poco para hacer más divertido el show. Somos puro Hard Rock y, además, no hemos podido llevar ningún efecto especial ya que, al abrir un concierto, no tienes demasiado tiempo ni espacio.

Todas las canciones están compuestas por Tom Keifer:

Todo el mundo trae ideas y trabajamos sobre ellas en tal o cual aspecto de las canciones. Teníamos cincuenta o sesenta temas cuando abordamos el proceso de grabación. La mayoría estaban compuestas por mí, pero los demás aportaron también ideas interesantes, sobre todo Eric Brittingham. Cuando alguien llega con una idea que es realmente grande y que sentimos que contribuye a un resultado brillante, normalmente la incluimos en el disco.

Gestación del disco:

Este disco se empezó a componer a lo largo de unos años en los que estábamos pateándonos los clubs. Estuve haciendo versiones durante un tiempo y pensé en dejarlo porque quería grabar discos. Pensaban en por qué mis héroes grababan discos y la respuesta era obvia: porque tenían canciones propias. Dejé la escena de los clubs y me centré en componer canciones para el proyecto de Cinderella. De forma eventual nos íbamos a tocar un par de veces al mes por los sitios del área de Filadelfia en los que había locales que apostaban por los grupos con material original. Todo lo que tocábamos era nuestro, no hacíamos ninguna versión.





El estudio de grabación:

Cuando entramos al estudio de grabación estábamos excitados por tener la oportunidad de hacer aquello. Es difícil de describir. No recuerdo que estuviéramos nerviosos. Simplemente, éramos jóvenes, inmaduros y atrevidos. Queríamos hacer el disco y romper con todo. Nos pusieron en las manos de un productor veterano como Andy Johns y terminamos aprendiendo que no lo sabíamos todo. Es muy fácil llegar a un club, tocar las canciones y derrochar energía y adrenalina entre el público, pero es muy diferente cuando la luz roja del estudio de grabación se enciende y te encuentras en un ambiente tan estéril intentando capturar esa esencia. Rápidamente aprendes que el proceso no es nada sencillo y que no sabes nada acerca del mismo.

“Nobody´s Fool”:

Esta canción habla sobre algo que cualquiera puede contarnos. En la vida está el enamoramiento y el desencanto amoroso. Hay canciones para ambas experiencias y ésta es, ciertamente, sobre el desamor. No estaba compuesta pensando en ninguna persona en particular. Había pasado por esa experiencia varias veces antes de componer este tema. En muchos casos las emociones en las canciones son acumulativas, no reflejan una experiencia en particular, sino la culminación de muchas de ellas.


HEARTBREAK STATION


Acerca de si el hecho de cambiar tres veces de estudio de grabación ha influido en el resultado final del disco:

En absoluto. Cinderella tiene su propio sonido y cambiar de estudio sólo ha servido para sacar el máximo partido de los temas compuestos haciendo uso de las distintas facilidades que ofrecía cada uno. Además, no hemos tenido que preocuparnos de presupuestos y cosas así.

La colaboración de John Paul Jones:

Contactamos con su mánager y le preguntamos si John estaría dispuesto a realizar nuestros arreglos de cuerdas. Nuestro producto, Andy Johns, tiene el mismo mánager que él. Andy ya le había sugerido para nuestros dos anteriores trabajos, pero no teníamos, por entonces, ni el tiempo ni el presupuesto adecuado. En esta ocasión le mandamos una maqueta con “Winds Of Change” y “Heartbreak Station” y él nos envió los arreglos. Nos encontramos con él en Power Station Studios conduciendo la orquesta que se había reunido ahí. Lo hizo en dos temas. Fue increíble ya que, aparte de ser un músico virtuoso, es un excelente arreglista.





STILL CLIMBING

Acerca de las canciones de este álbum:

La mayoría son muy antiguas, son temas que compusimos durante nuestra anterior gira. Hay algunas, incluso, de la época de “Long Cold Winter”. Piensa que la grabación de este trabajo ha sido muy larga. Tuvimos que cambiar de productor, probar cientos de baterías, yo tuve problemas de garganta y no podía cantar… A pesar de todo, las canciones siguen las canciones siguen conservando la misma fuerza que cuando las ensayamos por primera vez en el local. Todavía cuando vuelvo a escuchar el disco me sigue dando una marcha increíble. En los ensayos nos lo pasamos genial tocándolas.

Definición de este disco:

Hemos pretendido recoger lo mejor que había en todos nuestros discos e incorporarlo a nuestras nuevas canciones. Queríamos que este álbum fuera melódico, pero duro a la vez, que tuviera agresividad y también sensibilidad. Creo que lo hemos logrado.

“Freewheelin´”:

Es, posiblemente, la canción más antigua de todas. La escribí hace muchísimos años, de hecho, la íbamos a haber grabado para nuestro primer trabajo. Con el tiempo, ha ido ganando en muchas cosas y, al final, nos hemos decidido a grabarla. Es la típica canción de un grupo que empieza, tiene mucha energía y agresividad.

Kenny Aaronoff graba la batería de este disco:


No es un miembro permanente de la banda, sólo ha trabajado con nosotros en el estudio. No tenemos batería fijo ahora. Seguimos con las audiciones.




Declaraciones y fotos extraídas de: Heavy Rock, This Is Rock, Full Metal y Popular 1. Gracias por estar ahí o haber estado.